Explicado: El legado incómodo e inevitable de Chuck Close

El mismo Chuck Close proyectó una impresionante personalidad de autor. Con 6 pies 3 pulgadas, una voz profunda, un ingenio rápido y una especie de cara tonta, era tan querido y tan omnipresente que una vez lo llamaron el alcalde de SoHo.

En esta fotografía de archivo del 26 de octubre de 2010, el artista Chuck Close asiste a la gala y fiesta de estudio del Whitney Museum of American Art de 2010 en Nueva York. (Foto AP)

Escrito por Roberta Smith

La vida de Chuck Close como artista se dividió en tres fases distintas: dos exitosas y una no. Desde 1967 hasta finales de 1988, fue un pintor célebre, un tipo singular de fotorrealista conocido por enormes retratos en grisalla de amigos íntimos y familiares (y él mismo, tal vez su tema favorito) representados en una cuadrícula de lápiz con pintura diluida y un aerógrafo. Su trabajo fue inmanentemente deseable. Los museos y los coleccionistas privados comenzaron a competir por él incluso antes de que tuviera su primera exposición individual en una galería en Nueva York en 1970. Tenía el poder instantáneo del arte pop; de hecho, el artista había manifestado su deseo de dejar boquiabiertos a la gente. Pero también tenía el imprimátur más arrogante y conceptual del posminimalismo, posiblemente el último movimiento de arte de vanguardia del modernismo clásico. Fue igualmente admirado por los entendidos y el público.

El propio artista proyectó una impresionante personalidad de autor. Con 6 pies 3 pulgadas, una voz profunda, un ingenio rápido y una especie de cara tonta, era tan querido y tan omnipresente que una vez lo llamaron el alcalde de SoHo. A veces parecía el principal representante de la zona residencial del mundo del arte del centro, asistiendo a cenas y beneficios y sirviendo en las juntas directivas de museos (incluido el Museo Whitney de Arte Estadounidense) y fundaciones.

Fue mientras cumplía con un deber cívico en Gracie Mansion la noche del 7 de diciembre de 1988, entregando un premio, que Close se sintió tan enfermo que caminó hasta el hospital de médicos cercano. Por la mañana estaba paralizado del cuello para abajo, habiendo sufrido el colapso de una arteria espinal. Finalmente recuperó el uso de sus brazos y pudo pintar con un pincel sujeto a su mano y antebrazo.

Una mujer ve un retrato de Chuck Close del presidente Bill Clinton en la Galería Nacional de Retratos en Washington el 20 de diciembre de 2016 (New York Times).

Este fue el comienzo de la segunda fase de la carrera de Close, como un pintor aún más exitoso. Su condición lo obligó a idear una nueva forma de trabajar que realmente rejuveneció y mejoró su arte. Recuerdo la emoción de su desfile de 1991, cuando dio a conocer sus últimos cabezudos, como siempre basándose en fotografías que había tomado: Elizabeth Murray, Eric Fischl, Lucas Samaras y Roy Lichtenstein, una de las pocas imágenes de perfil de Close. No solo estaba pintando de nuevo, sino que también eran sus mejores esfuerzos desde sus retratos en blanco y negro de finales de los sesenta. La reproducción precisa estaba ahora más allá de sus habilidades: las cuadrículas se habían ampliado y llenado con deliciosos trazos de colores brillantes. De cerca, se leen como pequeñas pinturas abstractas. De lejos tenían un zumbido alucinatorio pixelado que, sin embargo, también revelaba sus raíces fotográficas.

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Close, que ya era muy querido y respetado, durante un tiempo pareció volverse aún más querido, heroico. Aparecía a menudo en inauguraciones de galerías, especialmente en Pace, que lo representó desde 1977, rodeado de simpatizantes, mientras conducía en su silla de ruedas de última generación. Fue difícil no sentirse impresionado por la pura fiereza de voluntad que le permitió continuar su vida como artista. Afortunadamente, Close - enriquecido por su trabajo - pudo llevarlo a cabo con estilo.

Y luego, a fines de 2017, Close de repente se convirtió en persona non grata en muchas partes del mundo del arte después de que varias mujeres jóvenes lo acusaron de acoso sexual. Dos museos cancelaron exposiciones de su obra y otros la retiraron de la exhibición. Si bien el trabajo de los artistas a menudo desaparece durante un tiempo después de su muerte, Close sobrevivió a la mayor visibilidad de su arte.

Fue un triste final provocado por el propio artista, a lo que cada vez parece más una carrera extraña, plagada casi desde el principio por la repetición de su obra. Para cuando surgieron las acusaciones, Close ya se había ausentado del mundo del arte, cediendo su casa y estudio en East Hampton por un nuevo alojamiento en el centro de Island en Long Beach y estableciendo una segunda base de operaciones en Florida.

Su obituario en The New York Times reveló que en 2013 Close había sido diagnosticado con Alzheimer, ajustado en 2015 a demencia frontotemporal. Citó a su neurólogo diciendo que la enfermedad podría haber contribuido a su comportamiento inapropiado. Sospecho que esto es cierto, aunque parece probable que la fama de Close alimentó un sentido de derecho, que no es inaudito.

De hecho, creo que Close fue una maravilla de un solo éxito, dos veces. Su idea de la cabeza convertida en colosal y lo suficientemente detallada como para desalojar los calcetines de cualquiera impulsó el retrato al siglo XXI y apoyó un cierto tipo de expansión lateral, una franquicia, por así decirlo. Se tradujo bien en diferentes medios: grabados, dibujos, polaroides, collages de pulpa de papel, huellas dactilares estampadas con tinta, daguerrotipos e incluso tapices. Cada vez que cambiaba el medio, el trabajo cambiaba físicamente, pero no era suficiente.

Un retrato en mosaico de Chuck Close del compositor Philip Glass frente a la escalera mecánica en la estación de la calle 86 de la nueva línea de metro de la Segunda Avenida en Manhattan mientras la estación se acerca a su finalización el 8 de diciembre de 2016 (New York Times).

Este crecimiento lateral proporcionó solo la apariencia de desarrollo, pero en realidad hubo muy poco en el trabajo de Close. Solo su parálisis había forzado su idea de escala y proceso a un nuevo territorio, quizás más allá de su imaginación más salvaje, provocando un cambio con el que había estado coqueteando tentativamente durante casi una década: de colores más brillantes, aplicados con mayor libertad, que distorsionaban la imagen y metido en la percepción visual de nuevas formas.

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Parte del problema también puede haber sido la popularidad de su arte: a través de su ubicuidad y uniformidad, se convirtió en una especie de marca corporativa que representaba el arte de museo contemporáneo y también a Pace Gallery. Era diferente de otros artistas, como Josef Albers o Mark Rothko, por ejemplo, que progresaron hacia motivos que parecían inalterables solo después de décadas de exploración.

Será interesante ver cuándo y cómo se rehabilita la carrera de Close y si obtendrá un asterisco, una etiqueta que advierte a los espectadores sobre los aspectos menos sabrosos de su vida. Porque la rehabilitación parece inevitable. Incluso cuando el escándalo estaba en su apogeo, los directores de los museos defendieron su trabajo, señalando a otros artistas culpables de comportamiento ofensivo a lo largo de los siglos, pero que hicieron arte digno, o al menos digno de un museo.

Y el trabajo de Close se encuentra en muchos, muchos museos, un elemento básico de cualquier colección pública que se precie. Sus grandes rostros continúan sorprendiendo e incluso emocionando sin ofender. Son extremadamente accesibles y un poco sensacionales en un momento en que los museos están cuidando de restar importancia a su elitismo e impulsar la divulgación pública. Sospecho que sus pinturas no se perderán de vista por mucho tiempo. Y quién sabe, tal vez los asteriscos no sean tan malos. Hay decenas de artistas masculinos que califican, tal vez algunas mujeres también. Es más saludable verlos a ellos, y su trabajo, sin los anteojos de color rosa.

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